Это столетие в истории искусств называется барокко. Как художественно-стилистическое направление складывается в начале века в Италии и, по сути, является неким продолжением эпохи Высокого Ренессанса. Но своего расцвета это направление достигает во Франции в середине XVII в.

В это время Франция становится центром культуры и искусства, законодателем моды в различных видах искусства. А расцвет абсолютистской монархии во главе с королем Людовиком XIV сделал этот стиль лицом государства. Таким образом, стал проникать как модное явление и в другие государства, причем с невероятной скоростью. К концу века барочные тенденции заметны по всей территории Западной Европы, а в начале XVIII в. барокко становится основным стилем и в России.

Само слово «барокко» французского происхождения. Этимология его не ясна. Одни вспоминают о логической фигуре «барокко», приводящей к абсурду, другие — о «не вполне круглой» жемчужине, носящей это имя. В «Энциклопедии» это слово уже имеет значение, близкое к тому, какое ему дается сейчас: «Барокко — в сфере архитектуры означает нечто странное. В высшей степени или, если угодно, беспредельно странное… Понятие влечет за собой понятия чрезмерного и смехотворного…»

То, что принято называть эпохой барокко, является, по сути, одним из периодов в развитии западной культуры, отличавшимся богатейшим разнообразием выразительных возможностей. Это было время, когда народы Европы создавали художественные формы, наилучшим образом отвечавшие их собственным представлениям о мире, об искусстве. «Интернационализации» искусства не препятствовали различия в религиозных верованиях. Разнообразие еще более усиливалось из-за непрерывно развивающегося международного общения.

Расцвет художественного обмена приходится на первые десятилетия XVII в. Принцип барокко — неразрывное единство взаимоисключающих признаков и приемов, носящее название «антиномии искусства». В искусстве чувствуется стремление выйти за рамки того организованного, но ограниченного пространства, которое было типичным для разум- но-ясного искусства Возрождения.

Выражение в искусстве непреходящей гармонии, покоя и равновесия постепенно, начиная с XVI в., уступает место стремлению запечатлеть мгновение, бурное движение, отказаться от ясных границ. Вместо спокойствия — эмоциональный порыв, вместо ясности и лаконичности — сложность, многообразие и пышная декоративность.

В XVII в. активно развиваются ремесла. Общее социальное развитие претерпевает изменения. В этот период складывается новый класс — буржуа. Активные и заметные изменения характерны для Северной Европы, в основном, Фландрии, Нидерландов, Германии. Высшие слои бюргерства, связанные с торгово-промышленным предпринимательством, стали представлять собой мощную экономическую и общественную силу. Свой статус крупная буржуазия стремилась подчеркнуть и во внешних формах — костюме, укладе домашней жизни, роскоши убранства покоев и изысканности стола, великолепии выезда.

Во второй половине XVII в. происходило разложение мелкого кустарного производства, цехового ремесла и домашних форм работы. Резко возросший спрос на готовые изделия, обусловленный развитием торговли, диктовал необходимость увеличения объема производства. Таким образом, появилась потребность в новой организации производства. Такое производство, основанное на разделении труда, получило название «мануфактурного». Само слово «мануфактура» означает «ручное изготовление».

Но мануфактура — это уже промышленное предприятие со значительным капиталом и наемными рабочими, производящими продукцию на широкий рынок. В классической форме процесс развития мануфактур протекал в Англии, прежде всего, в текстильной промышленности, производстве бумаги и стекла. Во Франции рассеянная мануфактура возникла на базе деревенской суконной и кожевенной промышленности, централизованная — в книгопечатании, металлообработке, в которой значительное место занимало производство предметов роскоши; в шелкоткацком производстве чаще встречалась смешанная мануфактура. С XVI в. начался процесс постепенного сближения практических знаний, накопленных в процессе развития ремесленной традиции, с теоретическими интерпретациями природных процессов.

Именно в художественных мануфактурах (мебельных, текстильных, фарфоровых) проектирование становится специальной деятельностью. Созданию вещи предшествует создание проекта — эскиза, который рисует художник и по которому осуществляется производство. Однако в королевских мануфактурах XVI—XVIII вв. художник делал эскизы по заказам двора, с учетом его вкусов и потребностей, не особенно заботясь о технических возможностях осуществления этих проектов.

Орнамент. В своем стремлении к величию и пышности применяет декоративные элементы Возрождения, но создает и новые сложные, динамические и неожиданные композиции. Первыми шагами в области орнаментики было смещение, сгущение элементов уже известного архитектурного орнамента, отсюда пучки колонн, нагромождение раскрепованных карнизов, изобилие раковин, маскаронов, карту- шей. В это время широко применяется мотив акантового листа.

Он появляется и в орнаментальных рамках гравюр, украшает шелковые и бархатные ткани, гравируется и чеканится в серебряных изделиях, вплетается в кайму шпалер вместе с цветами и плодами, режется из дерева в мебели, отливается в бронзе. из цветов и плодов получил широкое распространение. Цветы и фрукты сплетаются в насыщенные гирлянды и букеты.

Этот мотив получил распространение в немецких резных шкафах, к концу XVII в. применялся в виде ажурных резных накладных гирлянд на огромных гамбургских и данцигских шкафах. Деревянная мозаика из цветочных букетов украшает мебель Голландии и Фландрии. Появление более совершенных и разнообразных приемов фанерования, а также расширение круга используемых в мебели пород древесины и других материалов привело к пышному расцвету интарсии — деревянной инкрустации.

Широкое распространение получил и прием украшения накладками из позолоченной бронзы, частично заменивший резной декор. По мере развития стиля осваиваются новые отделочные материалы: кость, панцирь черепахи, перламутр, фарфор.

При дворе Людовика XIV развивается парадное декоративное и прикладное искусство, отличающееся торжественностью и сдержанной величавостью. Главой нового направления в декоративном искусстве становится художник Шарль Лебрен, ведавший внутренней отделкой и убранством королевского дворца в Версале. Характерной особенностью декора становится прием сочетания прямых и округлых линий, благодаря этому приобретает особую подвижность. В это же время появляются и другие новые мотивы: ромбовидная сетка, украшенная мелкими розетками, именуемая трельяжем; орнамент, имитирующий вырезанный зубцами и украшенный кистями занавес — ламбрекен.

Мебель. Архитектурная форма влияла и на стиль домашней утвари, архитектонические формы внешней отделки фасада и внутренних стен повторялись на стульях, диванах, столах и сосудах. Крупнейшим мастером-мебельщиком эпохи был фламандец Андре Шарль Буль (1642—1732).

Он первый стал инкрустировать мебель черепаховым панцирем (техника «пике»), широко применять эбеновое дерево, слоновую кость, бронзу, олово. У Буля ведущим элементом орнаментики были крупные симметричные мотивы стилизованной лозы. Самое главное новшество, появившееся в мебели этого времени, — требование удобства; отныне формы мебели отвечают стремлению человека к комфорту, а сами их типы обретают большее разнообразие в соответствии с различным назначением предметов.

Одним из самых выдающихся созданий французских мебельщиков эпохи Людовика XIV стал сундук с ящиками, символически названный «комод» (от франц. Commode — удобный). Мастера, следовавшие приемам Буля, по характеру материала, которым они пользовались, были названы чернодеревцами; они работали в тесном сотрудничестве с маркетерами и бронзовщиками.

Поддерживаемые Кольбером текстильные мануфактуры, в особенности фабрики Лиона, славились производством роскошных тканей — парчи и шелка, затканных великолепными узорами в итальянском духе. В изготовлении кружев и зеркал французские ремесленники ориентировались на Венецию.

Керамика. Не менее интересные изменения происходят и и керамическом деле. В изделиях из фарфора в конце XVII в. постепенно исчезают китайские мотивы и орнаментика итальянского Ренессанса, сохранившиеся лишь в мануфактурах Невера. Керамические изделия, производимые в Руане, начинают покрывать изящными узорами (с преобладающими мотивами ламбрекена) голубого или нескольких цветов. На фарфоровых мануфактурах Мустье в качестве образцов использовались орнаментальные гравюры Берена с гротесковыми мотивами.

Голландии большую известность принесли два вида прикладного искусства малых форм: изделия из серебра и фарфора. Интерьеры скромных голландских домов с их классическими фасадами украшали роскошные предметы из серебра, вышедшие из мастерских Пауля ван Вьянена (1555—1614), Адама ван Вьянена (1565—1627) или Яна Лютмы (1585—1669). Выполненные в барочном стиле, истоки которого прямо восходят к искусству немецкого маньеризма, изделия голландских серебряных дел мастеров превосходили причудливостью своих форм все, что делалось в это время в остальной Европе.

Голландский фарфор стал называться делфтским, хотя фарфоровые изделия производились в разных городах страны. Поначалу мастера подражали фарфору, привозимому из Китая, но к концу XVII в. делфтский фарфор приобрел собственный стиль, отличительным признаком которого стало преобладание синего цвета, хотя иногда использовали полихромный декор.

Помимо блюд и ваз, мастера делали панно из изразцов со сложными рисунками; они использовались для украшения домов не только в Голландии, но и в других странах. Английская керамика с оловянной глазурью в духе голландских изделий, производившаяся в течение XVII — XVIII вв., получила название «делфтские изделия». Позднее английская керамическая Ламбетская фабрика выпускала более утилитарные изделия — аптекарские кувшины, бутыли для вина, фляжки для воды.

Широкую известность получила и керамика со свинцовой глазурью, легко окрашивающаяся в различные цвета. Своего расцвета она достигла во Франции в XVII в. — знаменитые тончайшие сосуды из Сен-Поршера и «сельские глины» — покрытые поливами декоративные блюда Бернара Палисси.

Металл. Стилистические особенности также распространялись и на популярное в Западной Европе ювелирное искусство. Об искусстве золотых и серебряных дел французских мастеров этого времени позволяют судить лишь единичные изделия, так как основная масса работ этого рода бесследно исчезла в результате переплавки.

С начала и до самой середины XVII в. главным формообразующим элементом ювелирных изделий является цветочный мотив: подвески в виде цветка с лепестками-само- цветами; цепи, звенья которых напоминают целые гирлянды цветов; оправы с эмалевыми или черневыми растительными узорами или просто натуралистическое изображение цветов на плоских коробочках и медальонах.

Сочетание белого фона со щедрым живым узором из роз, гвоздик, модных тюльпанов применяют мастера Дании, Голландии, Германии, закрывая гладкое золото более красивым и более дорогим, по их мнению, эмалевым ковром. Эмалями украшали и ордена. Цветочный эмалевый присутствует и в конструктивной основе ажурных подвесок, на гладких или рельефных металлических оправах вокруг отдельных камней. Во второй половине XVII в. эмаль в оправах отступает на второй план.

Это связано с тем, что ведущую роль в декоре стали играть драгоценные камни и, прежде всего, алмаз; граненый камень стал центральным акцентом украшений: отныне ювелиры главное внимание обращали на блеск и игру камней, на их взаимодействие. Эта черта европейского ювелирного искусства почти не имела аналогий в древней или неевропейской традиции. Веком цветка и алмаза считалось XVII столетие, которое стало началом Нового времени. Эпоха барокко заложила основы для всех последующих художественно-стилистических направлений.