Новый этап русского изобразительного искусства связан, прежде всего, с деятельностью возникшего на рубеже шестидесятых-семидесятых годов Товарищества передвижных художественных выставок, объединившего лучшие художественные силы России.
Подобного рода объединение не имело по тем временам аналогов ни в России, ни в Европе. Товарищество самостоятельно вело дела, ни от кого не зависело, устраивало свои выставки, перевозя их из одного города в другой.
М. Е. Салтыков-Щедрин в статье «Первая русская передвижная художественная выставка» отмечал: «Нынешний год ознаменовался очень замечательным для русского искусства явлением: некоторые московские и петербургские художники образовали товарищество с целью устройства во всех городах России передвижных художественных выставок. Стало быть, отныне произведения русского искусства, доселе замкнутые в одном Петербурге, в стенах Академии художеств, или погребенные в гале реях и музеях частных лиц, сделаются доступными для всех обывателей Российской империи».
Первая выставка передвижников открылась в 1871 году.
На выставке были представлены почти все жанры. Иначе и быть не могло, потому что передвижники стремились всесторонне отобразить современную им действительность России, а также ее историю. В их творчестве важное место занимал и бытовой жанр, и не менее значимое искусство портрета, и произведения, посвященные русской истории, не говоря уже о пейзаже, которому «отдали дань» едва ли не все передвижники.
В Товарищество входили все крупнейшие мастера живописи того времени. Достаточно назвать хотя бы таких замечательных художников, как И. Е. Репин, В. М. Васнецов, И. И. Шишкин, В. Д. Поленов. Никто из русских художников (за исключением, пожалуй, Карла Брюллова) не пользовался такой прижизненной славой, как Илья Ефимович Репин (1844—1930).
Современники не уставали им восхищаться, а Репин создавал все новые и новые шедевры, давая повод для все новых и новых восторженных отзывов. Склонность к рисованию у Репина обнаружилась уже в раннем детстве. В возрасте девятнадцати лет юноша едет в Петербург с надеждой поступить в Академию художеств. И, поступив, пребывает в «величайшем восторге и необыкновенном подъеме».
По признанию самого Репина, это был «медовый год его счастья». По окончании Академии Репин награждается большой золотой медалью, после чего Академия отправляет его за границу в качестве своего пенсионера. Художник проводит несколько лет в Италии и Франции.
А по возвращении на родину совершает путешествие по Волге, во время которого вдохновив но работает — создает многочисленные этюды, впоследствии использованные им для написания картины «Бурлаки на Волге». Благодаря этой картине Репин сразу же выдвинулся п ряды самых известных мастеров живописи.
В «Бурлаках» современники увидели, собственно говоря, Россию со всей дремлющей в ней силой и мощью. Ф. М. Достоевский писал: «…у нас как-то принято, что бурлаки более всего способны изображать известную социальную мысль о неоплатном долге высших классов народу… К радости моей, весь страх мой оказался напрасным: бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего.
Ни один из них не кричит с кар тины зрителю: «Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!» И уж это одно можно поставить в величайшую заслугу художнику». Репин стремится закрепить свой успех, и результатом этих стремлений становится создание нового шедевра — полотна «Крестный ход в Курской губернии». И опять метафора, и опять обобщение.
Кажется, будто вся Россия участвует в этом крестном ходе. Необыкновенно плодотворными для Репина были восьмидесятые годы. Именно в этот период художник создал самые значительные произведения. Репин пишет много, вдохновенно и разнообразно, то обращаясь в своем творчестве к людям, занимающимся революционной деятельностью («Отказ от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста»), то, на контрасте, изображая парадный фасад империи («Прием волостных старшин Александром III»).
В моделях Репина узнаются вполне конкретные лица, да и места действия тоже вполне узнаваемы. Например, в картине «Не ждали» вся натура найдена в окрестностях Петербурга — на даче в Мартышкипе. Позировали Репину и его теща, и младшая дочка, и даже горничная. «Своего» Ивана Грозного для знаменитого полотна «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» Репин увидел в обыкновенном чернорабочем, случайно встреченном им на рынке. Именно этот творческий метод — подальше от фантазий и поближе к жизни — более всего культивировался большинством передвижников и активно претворялся ими в жизнь в восьмидесятых годах. Яркий пример тому — знаменитая картина В. М. Максимова (о котором речь пойдет ниже) «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу», прототип каждого персонажа которой доподлинно известен. Весь 1884 и начало 1885 года Репин пишет свой очередной шедевр «Иван Грозный и сын его Иван». Царевича Ивана он писал с известного писателя В. М. Гаргаина. А во время работы над образом Ивана Грозного ему, помимо чернорабочего, позировали еще и композитор П. И. Бларамберг и художник ГГ. Мясоедов. Свыше десяти лет Репин искал и обдумывал образы другого своего шедевра — исторической картины «Запорожцы». В 1880 году художник даже ездил в Запорожье, где рисовал этюды, героями которых были потомки вольнолюбивых запорожцев. И как всегда Репин искал подходящих персонажей в реальной жизни. И нашел, конечно же. Казака в черной шапке он писал с В. В. Тарновского, коллекционера казацко-украинских древностей, а казак в белой шапке — это не кто иной, как профессор петербургской консерватории А. И. Рубец. Остальные изображаемые на картине запорожцы тоже имели своих «двойников». Значительную часть творческого наследия Репина составляют портреты. Репин создавал портреты очень быстро. Например, за несколько коротких сеансов он написал портрет Н. И. Пирогова, и это произведение по праву считается шедевром портретной живописи. А портрет композитора М. П. Мусоргского современники единодушно называли «чудом из чудес». Здесь следует отметить еще одну характерную черту, присущую творчеству не только Репина, но и почти всех художников-передвижников. Будучи реалистами, они представляли зрителю портретируемого таким, каким он и был в жизни, показывая его достоинства и не скрывая его недостатки и даже пороки. Так и Репин со скрупулезной точностью передал на портрете Мусоргского все симптомы «болезни» великого композитора, каковою и по сию пору продолжает страдать огромное число россиян. Проще говоря — пьянства. То обстоятельство, что пагубной и разрушительной страсти подвержен великий композитор, делает картину особенно трагичной. Наиболее известен из портретов работы Репина портрет Л. Н. Толстого, исполненный художником во время посещения Ясной Поляны в 1887 году. Это тоже, без преувеличения, шедевр портретного искусства, созданный в рекордно короткие сроки — за три дня. Правды ради следует все же отметить, что не все портреты сам Репин считал одинаково хорошими. Не вышел, к примеру, у него портрет И. С. Тургенева. Не был художник доволен и некоторыми женскими портретами. Последний творческий взлет Репина-портретиста — огромнейшее полотно «Торжественное заседание Государственного совета». В поздний период своего творчества Репину не суждено будет создать шедевры, равные по силе и выразительности его произведениям восьмидесятых годов. Одно из самых почетных мест в истории русского искусства по праву принадлежит Ивану Ивановичу Шишкину (1832—1898). Творчество этого замечательнейшего художника можно без всяких натяжек назвать исключительным по той причине, что такой вершины мастерства еще не достигала пейзажная живопись предыдущих лет и даже эпох. Еще в ранние ученические годы определилось влечение Шишкина именно к пейзажу. «Пейзажист — истинный художник, он чувствует глубже, чище», — записал начинающий живописец в своем дневнике. Окончив Академию с большой золотой медалью, Шишкин получает право на поездку за границу. А по возвращении на родину становится одним из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. В 1876 году Шишкин создает свое этапное полотно «Рубка леса», после которой тема русского леса уже не покинет его до конца жизни. На протяжении восьмидесятых годов Шишкин снова и снова обращается к этой теме, создавая такие полотна, как «Ручей в лесу» («На косогоре»), «Заповедник. Сосновый бор» и другие. Цикл картин этого периода без преувеличения можно назвать гимном родной природе. А классическое произведение Шишкина «Лесные дали» и вовсе воспринимается как эпический образ России. В восьмидесятые годы художника все чаще и чаще влечет к себе природа в ее переменчивой красе. Например, тему тумана Шишкин варьирует в нескольких своих работах. В 1888 году художник пишет «Туман в сосновом лесу», в следующем году — «Утро в сосновом лесу», а еще через год просто — «Туман». Наибольшей известностью пользуется картина Шишкина «Утро в сосновом лесу». Замысел этой картины Шишкину подсказал другой замечательный художник — К. А. Савицкий (о котором речь ниже). Савицкий же и написал медведей в картине Шишкина. Медведи получились столь удачны, что Савицкий даже расписался вместе с Шишкиным на картине. Однако лее, когда полотно приобрел изве-стный коллекционер П. М. Третьяков, он снял эту подпись, мотивируя свое решение тем, что в картине «все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину». Умер Иван Иванович Шишкин как истинный художник — во время работы над очередным полотном. В свое время В. М. Васнецов писал И. И. Шишкину: «Если дороги нам картины природы нашей дорогой и милой Руси, если мы хотим найти свои истинно народные пути к изображению ее ясного, тихого и задушевного облика, то пути эти лежат… через Ваши смолистые, полные тихой поэзии леса». Эти проникновенные слова, с поправкой на русскую былинность и сказочность, можно отнести и к самому Виктору Михайлович)’ Васнецову (1848— 1926). Кто из образованных людей России не знает картин Васнецова? Его былинных «Богатырей», печальную «Аленушку», «Ивана Царевича на сером волке»… «Здесь русский дух — здесь Русью пахнет» — эти пушкинские строки можно поставить в качестве эпиграфа к любому из вышеназванных полотен и ко всему творчеству В. М. Васнецова в целом. Но мало кому известно, что Виктор Михайлович Васнецов начинал свою творческую деятельность отнюдь не со сказочных сюжетов и мотивов, а вполне с приземленных тем, весьма далеких от сказок и весьма близких жизненным реалиям: бедные крестьяне, нищие слепцы… — словом, жизнь, полная лишений и забот. Чуть позже художник пишет жанровые сценки, которыми можно иллюстрировать произведения Ф. М. Достоевского — все серо, печально, беспросветно… Наиболее показательна из этого ряда картина «С квартиры на квартиру», где обнищавшие старики меняют жилище. Лишь в восьмидесятые годы Васнецов наконец-то «нашел себя», приступив к созданию картин на темы русской истории, русских былин и русских народных сказок. Наиболее значительная картина этого периода — «Богатыри», над которой Васнецов с перерывами работал в течение двадцати пяти лет — с 1881 по 1897 год. Интересно, что первоначальное название картины было намного длиннее: «Богатыри — Добрыня, Илья и Алеша Попович на богатырском выезде примечают в поле — петли где ворога, не обижают ли где кого». Стоит ли говорить, что это произведение символизирует величие и силу русского народа. Хотелось бы отметить одну существенную особенность васнецовских «сказочных» полотен. Природа на его картинах не сказочная — это типично русская природа. Образы, при всей сказочности, не теряют реалистичности, да и списаны они с реальных людей: Аленушка писалась с крестьянской девушки Илья Муромец — с крестьянина Ивана Петрова. К темам русских народных сказок Виктор Михайлович Васнецов обращался вплоть до самой своей кончины, которая последовала в 1926 году. Выдающимся русским художником-передвижником был и Василий Дмитриевич Поленов (1844— 1927), который положил начало целой школе русской пейзажной живописи. По окончании Академии художеств он выехал за границу в качестве пенсионера Академии. Поездку за границу — мечту многих и многих выпускников — Поленов воспринял как тяжкую повинность. Его тянуло на родину, в Россию, к родной природе. «Как Европа ни хороша, — писал Поленов, — а Россия в деревне мне милей в сто тысяч раз…» Пребывание за границейхудожник хоть и считал необходимостью, но ее чрезмерную длительность {Академия давала пенсионерам командировку на шесть лет) находил совершенно излишней. И потому вернулся в Россию раньше положенного срока. В эти первые но возвращении из-за границы годы Поленов написал целую серию прекрасных пейзажей, среди которых «Пруд в парке. Олыпан-ка», «Заросший пруд», «Старая мельница». Художник отмечал впоследствии: «Я пробовал и перепробовал все роды живописи: историческую… портрет головы… животных… и пришел к заключению, что мой талант всего ближе к пейзажному, бытовому жанру, которым и займусь». Картины Поленова светлы, радостны и поэтичны («Московский дворик», «Бабушкин сад»). Оптимизм и жизнеутверждающее начало в творчестве Поленова были новым словом в русской пейзажной живописи. Художник любил писать среднерусскую равнину — ее леса, овраги, речушки, а более всего — широкую и быстротекущую Оку. И если в начале восьмидесятых Поленов еще как-то сюжетно мотивировал свои полотна, то к концу десятилетия пейзаж для него приобрел «самодостаточное» значение. Талантливым живописцем был и другой русский художник-передвижник — Владимир Егорович Маковский (1846—1920). Можно без преувеличения сказать, что в области бытовой живописи Маковскому не было равных. В своем творчестве художник продолжал и развивал лучшие традиции зачинателя этого жанра — В. А. Тропинииа (который, кстати сказать, был учителем Маковского). В 1861 году Маковский поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. К этому времени относится и его первая картина — «Квасник». Она была написана им в возрасте пятнадцати лет под руководством того же В. А. Тропинина. А за конкурсную работу «Крестьянские мальчики в ночном стерегут лошадей» («Ночное»), которая во многом перекликалась с рассказом И. С. Тургенева «Бежин луг», Маковский получил золотую медаль и звание художника первой степени. К середине семидесятых годов определяется главная тема Маковского — городской быт. На своих многочисленных полотнах художник показывает жизнь различных слоев русского общества — чиновников и ремесленников, дворян и крестьян, солдат и бродяг, купцов и приказчиков… Словом, картины Маковского — это своеобразная «энциклопедия русской жизни» тех лет. Маковский был одним из самых активных передвижников, он горячо выступал против тех направлений в искусстве, которые искажали действительность. «Правда и искренность, — говорил художник, — самое главное во всех родах искусства». Одно из лучших полотен этого мастера — «На бульваре». С такой лее виртуозностью исполнена небольшая лирическая картина «Объяснение», на которой мы видим молодого человека в момент его первого любовного объяснения. Очень удачна по исполнению «Вечеринка». А «вечная» для России тема пьянства трагически звучит в картине «Не пущу!», где замученная нуждой женщина в отчаянии загораживает мужу вход в кабак. Талантлив был и родной брат Маковского — Николай Егорович Маковский (1842—1886), довольно рано умерший и поэтому не успевший заявить о себе в искусстве в «полный голос». Н. Е. Маковский учился в Академии худолсеств, писал перспективные виды и пейзажи. За «Вид церкви села Дьякова в Коломенском, близ Москвы» получил звание классного художника третьей степени, а за «Вид Москвы» — классного художника второй степени. Большая часть масляных картин Н. Е. Маковского, так же как и картин его брата, регулярно появлялась на передвижных выставках. Из наиболее удачных полотен можно отметить: «На пашне в Малороссии», «Вид на Волге около Нижнего Новгорода», «Внутренность Благовещенского собора в Москве». Бытописателем и знатоком народной жизни был художник-передвижник Василий Максимович Максимов (1844—1911), которого И. Е. Репин называл «кремень передвижничества». Максимов родился и вырос в крестьянской семье в деревне Лопино Новоладожского уезда Новгородской губернии. Большинство его картин написаны на местныетемы. Самые известные из них: «Больной муж», «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу», «Бабушкины сказки». Позднее Максимов говорил П. М. Третьякову, что «не писал городских дам в шелковых платьях, мундирных тружеников и прочих мало знакомых людей и перешел навсегда к деревенской жизни». Полотно «Бабушкины сказки», показанное на выставке Общества поощрения художников, получило премию и было куплено Третьяковым для своей картинной галереи. А наиболее полно талант Максимова раскрылся в другой картине — «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу». В эти же годы художник создал целую серию полотен, посвященных жизни бедняков: «Бедный ужин», «У своей полосы», «Слепой хозяин» и так далее. О подобных работах Максимова И. Н. Крамской сказал: «Сам народ написал свою картину. Вот, жанристы, у кого учитесь». Последним из значительных произведений Максимова, стоящим несколько в стороне от центральной т|мы его творчества, стала картина «Все в прошлом», написанная в 1889 году. От этого полотна веет ностальгией по безвозвратно ушедшим временам. В последние годы жизни художник, говоря иносказательно, сам в какой-то мере оказался персонажем своей картины «Все в прошлом». На смену передвижникам пришли молодые художники новых направлений. Максимов больше не находил ни покупателей, ни заказчиков для своих работ. Художник беднел, болел и старел — все это вместе взятое, в конце концов, и свело его в могилу. Типичным представителем передвижничества был и Константин Аполлонович Савицкий (1844—1905). Самое первое и самое значительное его произведение — картина «Ремонтные работы на железной дороге». Показанная на III Передвижной выставке, она сделала имя Савицкого широко известным. П. М. Третьяков приобрел ее для своей галереи, что позволило молодому художнику поехать во Францию, где им были созданы такие полотна, как «Море в Нормандии» («Рыбак в беде») и «Путешественники в Оверни». Адалее произошла нелепая трагедия: жена художника покончила с собой из-за ревности (позже выяснилось, что ревность была вызвана фатальной ошибкой). Савицкий вернулся в Россию. В письме к своем)’ другу художнику-передвижнику В. Е. Максимову он писал: «Я в качестве отшельника нахожусь в одном из прекрасных захолустий Отечества нашего — Динабурге». Как и многие другие выдающиеся творческие личности, Савицкий нашел забвение в искусстве. Именно годы, проведенные в «прекрасном захолустье», стали для художника самыми плодотворными. В этот период он создал две свои лучшие картины — «Встреча иконы» и «На войну». Главная тема того и другого полотна — крестьянская. (Не случайно Савицкого позднее назвали «Некрасовым в живописи».) «Встречу иконы» можно рассматривать как своеобразную параллель репинскому «Крестному ход)’ в Курской губернии^. На обеих картинах изображено огромное количество людей. Но у Репина представлены практически все сословия русского общества, а у Савицкого — в основном крестьяне. Вслед за Савицким вспомним еще об одном художнике-передвижнике — Николае АлександровичеЯрошенко (1846—1898). Известность ему принесла картина «Кочегар», которая была показана на одной ‘< из выставок передвижников вместе с картиной И. Е. Репина «Протодиакон». Вдохновитель, организатор и руководитель передвижничества И. Н. Крамской писал об этой выставке и этих двух полотнах: «»Кочегар» и «Дьякон» балансируют. Не знаешь, который лучше. Разумеется, «Кочегар» по живописи уступает «Дьякону», но впечатление, типичность — равны. Оба весят здорово». В 1877 году Ярошенко был принят в члены Товарищества передвижных художественных выставок. Свою задачу как художника он определил так: «Вывести искусство из тех замкнутых теремов, где оно было достоянием немногих, и сделать его достоянием всех». Помимо знаменитого «Кочегара», Ярошенко создал и целый ряд работ, посвященных русской учащейся молодежи. Среди них можно выделить две -«Студента» и «Курсистку». «Вот она… бежит с книжками под мышкой на курсы или уроки, — писал о «Курсистке» Глеб Успенский. — Таких девушек.,, каждый из нас видел и видит ежедневно…» Ярошенко, как и многие русские художники-реалисты, относился к работе над портретами с особой серьезностью. Он считал своим нравственным и общественным долгом запечатлеть лучших современников. Что и сделал, оставив нам реты В. Г. Короленко, М. Е. Салтыкова-Щедрина, I Д. И. Менделеева и др. Самое значительное из поздних произведений ¦ Ярошенко — «Всюду жизнь». И здесь художник оста-1 ется верен задачам художника-психолога, главное I для него — как можно полнее раскрыть душевное со — I стояние героев. Всю свою жизнь Ярошенко удачно совмещал I творческую деятельность с военной, в отставку ушел генералом, купил усадьбу в Кисловодске, где I и скончался в 1.898 году. Другой замечательный художник и передвижник I Александр Карлович Беггров (1841—1914) тоже избрал себе карьеру военного, став морским офице — I ром. В историю лее русского искусства Беггрив во — I шел как художник-маринист. С детства в душе Беггрова боролись две пламенные I страсти — к морю и живописи. Поначалу первая страсть восторжествовала, и Беггров поступил в Ин — I женерное училище Морской академии, а затем в ка-1 честве морского офицера совершил кругосветное пу-1 тешествие. И, возможно, мы сейчас знали бы I Беггрова-путешественника и не знали бы Беггрова-ху-дожника (художника Беггрова-младшего, потому что его отец Карл Петрович Беггров-старший был изве- I стным художником и автором весьма популярных ли — тографий с видами Петербурга). Но, как это часто бывает, в судьбу Александра Беггрова вмешался случай. В 1868 году фрегат «Александр Невский» потерпел крушение у берегов Дании. Эта катастрофа дала возможность Беггрову познакомиться с известным маринистом А. П. Боголюбовым. В результате жизнь Беггрова кардинально меняется. Он поступает в Академию художеств, а в 1874 году оставляет военную слулсбу и уезжает во Францию, чтобы брать уроки у Боголюбова. (Боголюбов в то время жил в Париже.) В 1875 году Беггров в связи со смертью отца возвращается на родину и с того времени полностью отдает себя живописи. Пишет такие картины, как «Вид Английской набережной со стороны Васильевского острова», «Устье Невы», «Петергофская поенная пристань» и другие. В течение восьмидесятых годов на каждой выставке передвижников появляются все новые и новые полотна Беггрова. Беггров редко изображал чисто морской пейзаж. В основном на его картинах мы видим прибрежную полосу. Еще одной особенностью Беггрова-марини-ста было то, что он не был маринистом-баталистом, его внимание сосредоточивалось на военно-морских парадах, торжествах, праздниках. Творчество Беггрова оптимистично по своей сути, светло и радостно. Конец жизни Беггрова, увы, был другим. Тяжелая болезнь, сопровождающаяся мучительными болями, вынудила художника прекратить творческую деятельность. Занавес его жизни опустился в ночь на 15 апреля 1914 года — Бег-гров покончил жизнь самоубийством, выстрелив себе в сердце. Живописцем-маринистом был и другой не менее талантливый художник — Руфин Гаврилович Суд-ковский (1850—1885). Творчество его связано с городом Очаковом, где он родился. Отец-священник хотел видеть священником и сына, и потому Руфин был определен в духовное училище. Однако, как отмечал биограф, юношу «тянуло совсем в иную область». И в конце концов Судковский оказался в Академии художеств. О его успехах в этот период можно судить по картинам «На берегу лимана» и «Утро в Крыму». Для восемнадцатилетнего художника эти полотна — несомненная творческая удача. Но творческие удачи нередко сопровождаются жизненными неудачами. Тяжелые условия жизни вынудили Судковского оставить Академию Он поселился в Очакове и писал его окрестности. В картине «Тишь» очень выразительно переданы и песок, и камни, и волны… В 1881 году Судковским было написано большое полотно «Буря возле Очакова». Изображая разбушевавшееся море, художник сумел выразить не бессилие человека перед природой, а восхищение и восторг перед грозной морской стихией. В начале восьмидесятых Судковский написал такие картины, как «Прибой в тумане», «Взморье», «Очаковская пристань». Также им было исполнено поэтическое полотно «Перед грозой» и эпические полотна «Штиль» и «Дарьяльское ущелье». Начал он писать картины «Одесский мол» и «Херсонский берег», но закончить не успел. Заразившись брюшным тифом, художник скончался на тридцать пятом году жизни. Несмотря на ранний уход из жизни, Судковский сумел занять весьма видное место в ряду русских живописцев. «Основной принцип, руководивший живописью Судковского, — отмечал современник, — был реализм, живопись правды морских видов и соединенного с ней высокого впечатления». В ряду мастеров морского пейзажа стоит упомянуть и Льва Феликсовича Лагорио (1827—1905). В произведениях Лагорио сочетались этюды с натуры и цветовые искусственные эффекты — все это в традициях академической пейзажной живописи. Лагорио учился в Академии художеств, получил там золотые медали за картины «Вид в окрестностях Выборга» и «Вид на Лахте, близ Санкт-Петербурга». Восемь лет пробыл в Италии. В середине восьмидесятых художник получил императорский заказ на несколько картин, посвященных событиям Русско — турецкой войны. Кроме многочисленных полотен, написанных масляными красками, Лагорио оставил и акварельные рисунки: «Вид на взморье», «Нормандский берег», «Батум» и другие. Творчество следующего живописца, о котором нельзя не вспомнить, говоря о восьмидесятых годах XIX столетия, не было тесно связано ни с реализмом в целом, ни с передвижничеством в частности. Образно говоря, он находился «по другую сторону баррикады», поскольку является ярким представителем академического направления в русском изобразительном искусстве. Этим выдающимсяхудожником позднего академического направления был Генрих Ипполитович Семирадский (1843— 1902), который в своем творчестве отдавал предпочтение античным, библейским и историческим сюжетам. Картина Семирадского «Грешница» имеет поистине всемирную известность. Даже враждебные академическому направлению передвижники считали эту картину хоть и поверхностной по содержанию, но сильной по живописному исполнению. Семирадский был достаточно противоречивым художником, некоторые сцены древней жизни на его полотнах весьма поверхностны, но его реалистические пейзажи «дышат» правдой и привлекательностью. Картина «Грешница» была приобретена лично императором. Следует отметить, что Семирадскому, как говорится, «везло» — уже с самого начала еготворческой жизни ему сопутствовал успех. Академия художеств за картину «Доверие Александра Македонского врачу Филиппу» награждает его большой золотую медалью и правом на шестилетнее заграничное пенснонерство. За картину «Грешница» Семирадский, помимо денежного вознаграждения от императора, получает еще и звание академика. А звание профессора ему присвоили за картину «Светочи христианства. Живые факелы Нерона». За эту же картину он получил в Париже орден Почетного легиона. Знаменитая флорентийская Галерея Уффици для своего собрания предлагает ему написать автопортрет. Академии изящных искусств в Берлине, Стокгольме и Риме избирают Семирадского своим членом. Но самая главная удача Семирадского была в том, что его ни на минуту не оставляли ни его талант, ни вдохновение, ни работоспособность. Он пишет и пишет картины: «Танец среди мечей», «Продавец амулетов», «Оргия времен Тиберия на острове Капри», «Элегия», «Жрец Изиды», «Шопен у князя Радзивилла», «Фрина на празднике Посейдона в Элевзине» и другие. За последнюю работу Туринская академия избирает Семирадского своим членом, а 11арижская академия изящных искусств — членом-корреспондентом. В 1889 году в Петербурге проходит персональная выставка художника, на которой выставлена все та же «Фрина на празднике Посейдона в Элевзине». И. Е. Репин, побывав на этой выставке, писал: «Большая картина его, несмотря на всю академическую риторику, производит «веселое» впечатление. Море, солнце, горы так влекут глаз и доставляют наслаждение, а храмы, а платан посредине; право, ни один пейзажист в мире не написал такого красочного дерева. Лица и фигуры меня не радуют, но они не портят впечатление». Но все проходит, все очень быстро проходит: и радости, и горести, и удачи, и беды… Таков удел человеческий. В последние годы жизни Семирадского покидают и вдохновение, и талант. Возможно, это было связано с его тяжелым заболеванием. Б 1902 году художник скончался. Семирадскому по духу творчества близок Алексей. Алексеевич Харламов (1840—1922), виртуозный мастер кисти. Как и Ссмирадский, он не был художником, определяющим пути развития русского искусства второй половины XIX века, но, несомненно, и он внес свой достойный вклад в историю русского искусства. Окончив Академик? художеств с большой золотой медалью, Харламов уезжает в пенсионерскую поездку за границу и обосновывается в Париже. В середине семидесятых годов важное место в творчестве Харламова начинает занимать портрет. Как и многие его современники, Харламов стремится создать галерею портретов выдающихся людей своего времени. Он пишет портреты И. О. Тургенева. А. Доде и других. Параллельно с портретами художник пишет «головки». «»Головка», — пояснял один из современников, — суть не что иное, как «незаказанные» портреты, под которыми даже не подписываются неизбежные X., N. и Z. Художник рисует с натуры свою головку и свой этюд точно так же, как с натуры пор грет. Но выбор его не стеснен, и вот причина, по которой все головки красивы, все этюды типичны…» Судя по всему, Харламов, не имея дополнительных источников дохода, испытывал финансовые трудности. Академия не очень-то «раскошеливалась» па своих пенсионерок. Репин вспоминал, что пенсионеры Академии «обеспечены настолько, чтобы только доехать до какого-нибудь города и сидеть в нем, сложа руки, в какой-нибудь дешевой каморке, «чай с квасом, а порою с водою», как говорится». Поэтому Харламов вначале рисовал «головки» исключительно для заработка, а потом так «втянулся», что в итоге «головки» составили самую значительную часть творческого наследия художника. Среди «головок» Харламова следует отметить «Голову мальчика-цыгана». «Девочку-итальянку», «Цыганку», а самой лучшей «головкой» является «Мордовская девушка». Если в некоторых харла-мовских «головках» можно заметить явный «сироп», то в «Мордовской девушке» прежде всего мы видим грусть и тоску в глазах героини. Возвращаясь же к реалистической живописи, вспомним еще одного мастера реалистического пейзажа — Александра Александровича Киселева (1838—1911). В начале творческого пути Киселев чаще всего пишет пейзажи. «Святогорский монастырь на Донце» довольно вялый, надо признать. Впрочем, Киселев быстро покончил с недостатками своего «раннего» периода, и уже представленный на выставке передвижников пейзаж «Вид окрестностей Харькова» был выше всех похвал. С того времени художник постоянно участвовал в ежегодных выставках передвижников, а также занял видное положение в Товариществе, регулярно изби-раясь в правление. В восьмидесятые годы отчетливо определилась творческая индивидуальность Киселева как реалиста, и реалистическим принципам он был верен до конца своих дней. Типичными в этом плане являются пейзажи «Перед грозой» и «Дождь». Полотна Киселева производят «освежающее впечатление», отмечал И. Е. Репин. Столь же «освежающее впечатление» производят и картины Владимира Донатовича Орловского (1842—1914) — талантливого художника-пейзажиста, творчество которого было тесно связано с художественной жизнью не только Петербурга, но и Украины, где он провел многие годы. Как и Киселев, Орловский с блеском окончил Академию художеств, получив большую золотую медаль и право на заграничную поездку. Жил во Франции, Германии, Швейцарии, много там работал. Но чужая природа его не слишком вдохновляла. «Мотивы же здесь собирать, думаю, не стоит, — писал Орловский, — они чужды мне, как и каждому русскому». По возвращении на родину художник путешествует по России, создавая этюд за этюдом. «Этюды — это часть моей души», — отмечал Орловский. В начале восьмидесятых годов в творчестве художника появляется все больше и больше пейзажей с изображением украинской природы («Заросший пруд», «Перед дождем», «Перед бурей»). Орловский пишет берега Днепра, украинские мазанки… Восьмидесятые годы — время наивысшего расцвета творчества Орловского. На выставке передвижников экспонируются работы Орловского с изображением природы Кавказа, такие как «Из окрестностей Пятигорска», «Горный ручей». В следующем году Орловский едет в Подольскую губернию, где собирает материал, на основе которого пишет ряд картин, например: «Речка Гнилица», «Высохшее русло». Также в восьмидесятых годах художник все чаще пишет море: «Унесенный баркас», «Дети на берегу моря»… В последующие годы произведения Орловского все реже и реже появляются на выставках, потому что сам он все чаще и чаще болеет и в конце концов умирает в небольшом городке Нерви. Если Орловский более всего в своем творчестве тяготел к югу России, то Ефим Ефимович Волков (1844—1920), тоже известный пейзажист, посвятил свое творчество в основном воспеванию красот Русского Севера. Выступал он преимущественно в жанре лирического пейзажа. Из его произведений достойны внимания такие работы, как «В лесу по весне», «Лес на болоте», «Лесной ручей». В 1880 году Волков вступил в Товарищество передвижных художественных выставок и на VIII Передвижной вы — ставке представил картину «Осень», которая была отмечена как одно из лучших произведений пейзажной живописи. В творчестве этого художника восьмидесятые годы были наиболее плодотворными. Написанная в 1883 году картина «Октябрь» экспонировалась на XI Передвижной художественной выставке. Современник отмечал: «Между… многочисленными картинами наших пейзажистов… самая замечательная «Октябрь»… это одна из лучших, если не самая лучшая вещь Волкова, так хороши и рельефны тощие деревца, оголенные осенью, так хороши тут перспективы сквозь реденький лесок, столько тут-везде воздуха и осеннего спадающего света…» Волков много путешествовал и по России, и за рубежом. В 1879 году вместе с И. И. Шишкиным он предпринял путешествие в Крым, а в 1888 году по приглашению великих князей Сергея Александровича и Павла Александровича совершил путешествие по Сирии, Палестине, Египту и Греции. Умер Волков там же, где и родился, — в Петербурге (тогдашнем Петрограде) в 1920 году. Говоря об изобразительном искусстве восьмидесятых годов XIX столетия, следует упомянуть таких живописцев, как Н. П. Загорский, П. А. Сведом-ский, А. Д. Кившенко, Н. Н. Каразин, И. А. Пелевин, П. С. Тюрин, В. А. Бобров, В. Г. Казанцев. Эти художники не столь широко известны в наше время (а некоторые так и вовсе забыты), но суть ведь не в этом. По-разному складываются судьбы. И известность вомногом зависит не от степени таланта того или иного художника, а от жизненных обстоятельств, прихотей судьбы, счастливых или несчастливых случаев, места рождения и другого. Суть в том, что и известные, и по разным причинам оставшиеся неизвестными художники оставили нам па своих полотнах «запечатленное время», то есть оставили нам спои размышления о жизни, запечатлев их в образах современников, в пейзажах, бытовых зарисовках и исторических сценах. В восьмидесятые годы было достаточно хорошо известно имя Николая Петровича Загорского {1849—1893). Ни одно из его полотен, появлявшихся на выставках передвижников, не оставалось без внимания критики. Загорскому был чужд внешний эффект, напыщенность, повышенный драматизм. Его больше волновали переживания и размышления персонажей. Являясь членом Товарищества, он всегда, по свидетельству В. Д. Поленова, был сторонником всего нового и передового. На VIII Выставке передвижников была представлена его картина «Альтист», высоко оцененная современной критикой. Много времени Загорский посвятил созданию иллюстраций к произведениям И. С. Тургенева. Последние десять лет жизни художника были особенно плодотворны. С 1885 года начинают появляться наиболее значительные его картины: ¦¦Митька», «Деревенские подростки», «Перед обедом». Одно из лучших полотен этого периода — «В неурожайный год. По миру». Весьма удачно и другое его полотно — «Полесовщик». Последними работами Загорского были картины «Письмо от сына издалека» и «Прошлое». На этом творчество и жизнь Загорского, находившегося в расцвете сил — и таланта, увы, оборвались. Осенью 1893 года художник простудился и на сорок четвертом году жизни умер. Павел Александрович Сведомский (1849—1904) родился в семье богатого помещика, поэтому имел возможность отправиться на учебу в Германию, где занимался под руководством выдающегося венгерского художника М. Мункачи. Первая из известныхкартин СведомскогО — «Крестьянский двор». Простой и скромный мотив написан так же скромно, просто и талантливо. В дальнейшем своем творчестве Сведомский обращается в глубь веков, избирая сюжетами для своих полотен события из жизни исторических личностей или жанровые сцены из различных эпох. Поселившись в Риме, он так проникается аурой «вечного города», что начинает писать сплошь античные пейзажи: «Дочь Камелии», «Юлия в ссылке», «Медуза». В последней картине Сведомский изобразил эпизод из греческого мифа о горгоне Медузе, взгляд которой превращал людей в камни. Картина производит зловещее впечатление: горгона — подобие живого мертвеца, фон кар тины — мрачнее некуда. И в то же время… Словом, художник образу Медузы сумел придать две, на первый взгляд, несовместимые черты — отталкивающую и притягивающую. К концу восьмидесятых годов появляются картины Сведомского на тему французской революции. — Одна из них — «Жаки. Сцена из времен французской революции. 1798 год», другая — «Жертва революции». Известны и два портрета работы Сведомского — Анны Кутуковой-Сведомской и А. Н. Весе-ловского, историка литературы. В последние годы жизни Сведомский обратился к отечественной истории: «Пожар в Москве. 1812 год», «Казнь Ермака», «Бородино». Несколько работ художника осталисьнезавершенными: Сведомский умер от скоротечной чахотки. Алексей Данилович Кившенко (1851—1895) уже семи лет от роду много и отлично рисовал. Как говорится в таких случаях, сам Бог ему велел поступать в Академию художеств, что он и сделал по достижению юношеского возраста. Во второй половине семидесятых годов художник наряду с произведениями на традиционные для Академии библейские сюжеты создает ряд работ на темы из народного быта («Воришка», «Мальчик со змеем»). Но более всего Кившенко известен своей картиной «Военный совет в Филях в 1812 году». Один из современников писал: «Военный совет в Филях заинтересовал художника не своими блестящими мундирами… а именно желанием воспроизвести в красках выражение лиц участников этой великой драмы, разыгрывающейся в такой скромной обстановке». Сразу же после появления на выставке «Военного совета в Филях» Кившенко получает от Академии право на заграничную пенсионерскую поездку. Рисует и живет в Германии и Франции. Однако же заграничные темы были ему чужды, и он возвращается на родину, где пишет картин}’ «Съезд на ярмарку на Украине». Интересно, что внимание художника привлекает не сама ярмарка, а люди, следующие по дороге на эту ярмарку. С начала восьмидесятых годов у Кившенко появляется сюжет, который становится чуть ли не основным в его творчестве — охотничьи сцены. Кроме того, художник успешно работает как живописец-баталист. Известны его батальные картины («Штурм крепости Ардаган», «Зивинский бой»), которые с полным правом можно отнести к выдающимся произведениям русской батальной живописи. В конце жизни Кившенко руководил мастерской батальной живописи в Академии художеств. Иван Андреевич Пелевин (1840—1917), живописец и мозаичист, окончил Академию художеств в 1862 году. По выходе из Академии написал несколько картин («Воскресный досуг», «Молодая мать»). Однако стесненность в средствах побудила его заняться мозаичным искусством. Впрочем, живопись он тоже не оставил, и в 1869 год)’ за картины «Детский завтрак», «Деревенская швея» ему было присуждено звание академика. Пробовал себя Пелевин и в исторической живописи, написав такие картины, как «Иоанн Грозный в келье Николы Юродивого во Пскове», «Боярин Троекуров читает царевне Софье указ о заточении ее в монастырь», но история его не увлекла, и вскоре художник вернулся к изображению сцен деревенского быта. Характерное отличие Пелевина от большинства других русских жанристов в том, что его картины отображали не темные стороны деревенского быта, а светлые — даже порою чересчур светлые, что приво дило к излишней идеализации крестьянской жизни. Особенность творчества Пелевина состояла в том, что он любил изображать на своих картинах детей. Еще одним полузабытым на сегодняшний день художником является Иосиф Евстафьевич Крачков-ский (1854—1914). В своем творчестве Крачковский придерживался традиций академического реалистического пейзажа. Учился в Академии художеств, впоследствии удостоился звания академика «за отличные познания в пейзажной живописи». Из многочисленных пейзажей Крачковского пользовались особой популярностью «Зимний вид в окрестностях Петербурга», «Сумерки», «Перед грозой». С 1880 по 1884 год Крачковский путешествовал по Франции, Германии, Италии, Испании, Швейцарии. За это время он создал множество этюдов, написанных под влиянием творчества французских художников. После возвращения на родину излюбленной темой художника стали виды Москвы и Петербурга. Значительную часть наследия Крачковского составляют южные пейзажи Крыма, Кавказа, юга Франции и Италии. Виктор Алексеевич Бобров (1842—1918), учась в Академии художеств, получал там медаль за медалью за отлично выполненные этюды, которые, к слову сказать, были оставлены в Академии как образцы для подражания. В. М. Максимов, учившийся вместе с Бобровым, писал о нем: «Образцовый этюдист, принес-ший огромную пользу товарищам по Академии как своими живописными работами, гак и своими советами». Бобров работал во многих жанрах, в особенности в портретном и пейзажном. В восьмидесятые годы он создал целую серию гравюр-портретов выдающихся деятелей русской литературы и искусства, в том числе И. И. Шишкина, Ф. М. Достоевского, А. Г. Рубинштейна. Художник писал и детские портреты (карандашный портрет дочери, живописный портрет сына). В конце восьмидесятых годов творчество Боброва приходит в явный упадок. Он постоянно пишет одну и ту же натурщицу, давая картинам различные названия: «Мечта», «Купальщица», «Отдых»… Точных сведений о последних годах жизни Боброва не сохранилось. Пик творчества уральского художника Владимира Гавриловича Казанцева (1849—1902) приходится на вторую половину восьмидесятых. Лучшие работы Казанцева посвящены уральской тематике: «За Урал», «Утро на реке Косьве», «Туман па Чусовой». Казанцев был знаком с писателем Д. Н. Маминым-Сибиряком. И вот что замечательный писатель сказал о замечательном художнике: «В. Г. Казанцев взял главным сюжетом своих картин драматические моменты борьбы света и тьмы, ласковые умирающие тона зелени, мягкие тени… точно повеяло смолистым ароматом хвойного леса, росой, набегающей струйкой дыма, и вас охватывает такое бодрое и хорошее чувство, какое может дать только одна приро да. Таковы картины Казанцева «Солнце село», «Первая пашня», «Взошла луна», «В ночном», «Полночь на Севере». «Светает» и т. д. Мы особенно ценим эти картины нашего уральского художника, с такой серьезной полнотой рисующего родные просторы». Мастером портретного жанра был Иван Алексеевич Тюрин (1824—1904). Большая часть его работ — портреты государственных чиновников, и многие из них говорят о большом таланте художника. Так, за «Портрет профессора Санкт-Петербургской духовной академии архимандрита Григория» И. А. Тюрин получил звание академика. Помимо портретов, Тюрин писал иконы и делал росписи — его работы украшают многие провинциальные церкви. Живописец Николай Николаевич Каразин (1842—1908) прожил бурную, полную опасностей, путешествий и приключений жизнь, был всю свою жизнь невероятно известен, популярен, написал двадцать томов художественных произведений, создал около четырех тысяч рисунков, сотни картин, проиллюстрировал десятки книг (кстати сказать, был первым иллюстратором Ф. М. Достоевского). Большое влияние па художника оказали научные экспедиции, в которых он принимал участие. Каразин принял участие и в Русско-турецкой войне 1877—1878 годов, где был награжден золотым оружием «За храбрость». Параллельно с этим он создал несколько военно-патриотических картин. Весьма интересны и многочисленные жанровые картины Каразина туркестанского цикла. В этих небольших по размерам произведениях художник достиг большой психологической глубины. Примеры тому — «Смерть коня — смерть всадника», «Всадник в степи». Привлекала Каразина и величавая ширь российских рек, и подтверждение том)’ — его картины «На Каме», «На Оке». А вечный покой талантливый художник, неутомимый путешественник и храбрый воин обрел в Петербурге, на кладбище Александро-Невской лавры, где был похоронен с воинскими почестями. Итак, подведем некоторые итоги. В 1870 году группа художников образовала Товарищество передвижных художественных выставок. Товарищество объединило лучшие творческие силы того времени. Оно устраивало выставки в Петербурге, Москве, Харькове, Казани, Орле и других городах России. В своем творчестве передвижники культивировали реалистический подход к действительности. Участники объединения противопоставляли себя официальному искусству в лице Академии художеств. Однако не будем забывать, что почти все они вышли именно ил стен Академии: и Репин, и Поленов, и Васнецов, и другие. А в числе передвижников, приглашенных в Академию для преподавания, был Р1.И. Шишкин. Также не следует забывать, что не кто иной, как Семирадский — яркий представитель ака демического направления — высказался в пользу бытового жанра, указывая на Репина как на положительный пример. Поэтому не станем ни упрощать, ни усложнять взаимоотношения реалистического и академического искусств. В каждом из направлений, течений, «измов» и прочих имеются свои плюсы и свои минусы. Истинные же произведения искусства выше всяческих догм и «измов», и принадлежат они не тому или иному направлению, а Вечности. Лучше вспомним добрым словом Павла Михайловича Третьякова (1832—1898), который говорил: «Для меня, истинно и пламенно любящего живопись, не может быть лучшего желания, как положить начало общественного, всем доступного хранилища изящных искусств, приносящего многим пользу, всем удовольствие». В начале девяностых годов П. М. Третьяков основал в Москве первый общедоступный музей русского искусства (ныне Государственная Третьяковская галерея). В это же самое время в Петербурге был открыт Русский музей. Открытие двух музеев отечественного искусства — свидетельство выдающихся достижений русских живописцев XIX века.
