Китайский народ создал на протяжении времени множество известных всему миру изделий художественного ремесла. С древнейших времен передавались навыки и секреты изготовления изделий из различных пород камня, дерева, из глины и лака, секреты производства тканей и вышивок.
Уже в глубокой древности мастера Китая, научившись выявлять и показывать художественные качества материала, использовали с этой целью игру его цветов, пятна, различие фигур, гладкость поверхности. Древнейшие сосуды из глины и камня отличаются, подобно античным, совершенной гармонией форм и ясностью членений.
Китайские мастера переняли от древности многие навыки, манеры и техники, традиционные формы узоров. Однако сами потребности, которые выдвинула новая историческая эпоха, породили и многочисленные новые виды и техники художественного ремесла. Связанное с бытом, с возрастающими потребностями городского населения художественное ремесло в изобразительном искусстве Китая явилось не только одним из самых массовых и популярных, но и одним из самых активных видов.
Весь мир использует китайские вазы, чашки и другие предметы. У себя на родине китайский фарфор вместе с другими видами искусства имеет широчайшее применение. Китайская керамика используется и для облицовки скульптурных работ.
Керамика. Уже в древности китайцы для своих гончарных изделий употребляли сорта высококачественной глины. Однако подлинная заслуга изобретения фарфора принадлежит мастерам средневекового Китая. В эпоху Тан, в период высокого расцвета всех областей китайской духовной жизни, появились первые изделия из фарфора, получившие быстрое распространение.
Фарфор воспевался поэтами, почитался как драгоценность. Производству фарфора в Китае способствовали богатые залежи необходимых для него материалов: фарфорового камня (естественного соединения полевого шпата и кварца) и местной глины — каолина. Соединение этих двух составных частей дает необходимую пластичность и сплавлиемость. Каждый из фарфоровых предметов Китая глубоко продуман, исполнен не как предмет ремесла, а как самостоятельное художественное произведение.
Формы тонких сосудов округлы, мягки и массивны. Особенно славится в это время белоснежный фарфор, производимый в городе Син- чжоу, гладкий и матовый, сохранивший монументальность древних изделий. Многие сосуды этого времени расписывались яркими цветными глазурями, в которые примешивались окиси меди, железа и марганца, дававшие желтые, коричневые, зеленые и пурпурные сочные тона.
Но особенного разнообразия и благородства фарфор достигает в XI—XIII вв. При танском периоде керамика имеет разнообразную цветовую гамму. Но при Суне она уже отличается простотой и скромностью. Китайская керамика имеет точные и тонкие линии и простоту цвета.
Использование природных красок свойственно для этого времени. Серо-голубой и серо-зеленые цвета можно часто встретить на китайском блюде или вазе. Мелкие трещины — это не дефект мастера, а тонко продуманный шаг. Неровности глазури, засохшие капли облицовки и мелкие трещины по всей поверхности изделия дают ощущение законченности.
Минский фарфор, в отличие от сунского, многоцветен. Мастера использовали его белоснежную поверхность как живописный фон, на котором располагали целые пейзажные или жанровые композиции. Сюжетов и типов росписей, так же как и красочных сочетаний, появляется очень много: сине-белый фарфор, расписанный под глазурью кобальтом мягкого и благородного типа и рисунка, богатые красками цветные глазури, трехцветные и пятицветные.
Еще больше техник и типов фарфора появляется в XVII—XVIII вв. Появляются черные гладкие и блестящие сосуды, сосуды, расписанные по верху яркими и сверкающими эмалями. Вплоть до конца XVIII в., когда все остальные виды искусства уже пришли в упадок, художественный уровень китайского фарфора оставался высоким. В отличие от предыдущих периодов, формы фарфоровых изделий при Цинской династии (XVII—XIX вв.) были более усложненными и утонченными.
Повторение старых моделей приобретает более изящные пропорции, а к концу XVIII в. развивается излишняя вычурность очертаний. В декорировании фарфора с этого времени характерным является разнообразие и богатство мотивов и тем, а в некоторых случаях — большая насыщенность орнаментации. Это особенно заметно в росписи кобальтом и в гамме так называемого «зеленого семейства». Сложные многофигурные сцены, мелкие растительные мотивы или любая из бесчисленных тем росписи отличаются большой сложностью и продуманностью композиционного построения.
Виды танского и сунского прикладного искусства многообразны. В это время выделывались по образцу древности бронзовые зеркала, богато украшенные с оборотной стороны пышным рельефным узором цветущих растений, резвящихся зверей, птиц и плодов. Часто подобные зеркала изготавливались из серебра, покрывались тончайшим слоем золота, инкрустировались перламутром и драгоценными камнями.
Узоры тканей «кэ-сы» (резаный шелк) особенно близки живописи этого времени. Они создавались по образцам известных художников. Кэ-сы отличается необычайной мягкостью, нежностью, драгоценной зернистой матовостью фактуры. Легкие птицы на ветвях, пейзажи, распускающиеся бутоны нежно-розовой сливы мэйхуа — основные мотивы, изображенные в кэ-сы.
Возникновение в Китае мастерских по производству расписных эмалей относится к периоду Канси, связанные с западноевропейскими влияниями, исходившими из Франции. Влиянием религиозных гравюр, завезенных миссионерами- иезуитами, можно объяснить обычные для росписей китайских эмалей на металле XVIII в. приемы штриховки, обводки изображений по контуру и другие, графические в своей основе, средства художественной выразительности.
Следы европейских влияний заметны не только в сюжетах и манере исполнения росписи, но и в формах китайских эмалей XVIII в. Прототипами часто служили немецкие и английские медные и серебряные изделия XVI—XVIII вв. Эмали, сделанные для высочайшего применения, именовались «хуан чжи» — «желтые (т. е. «императорские») сосуды», поскольку желтый издавна считался символическим цветом китайского императора.
В декоре таких эмалей превалируют изображения в жанре «хуаняо» («цветы-птицы»), китайские сюжетные сцены и орнаментальные композиции: изображение головок цветов лотоса, вплетенных в растительный побег в виде лозы, и зооморфный узор, восходящий к декору древних бронзовых сосудов.
В расписных эмалях популярны составные наборы из тарелочек разных форм, получившие развитие в китайском фарфоре уже периода Канси. Нередко тарелочкам придавалась форма раскрытого веера, украшенного изображениями в жанре «цветы-птицы» по белому фону. Фарфор и эмали на металле в целом ряде случаев связывает как общность путей поступления в Европу, так и сходство форм, мотивов росписи и колорита.
Однако при несомненном сходстве с фарфором расписным эмалям на металле свойственно вполне очевидное художественное своеобразие как совершенно особому виду китайского ремесла, более смело в сравнении с традиционными его видами вступавшему в соприкосновение с европейским искусством.
Художественное ремесло, прикладное искусство в Японии называют словом «когэй». Источником большинства художественных замыслов произведений искусства являлась глубокая любовь к природе. Народ издавна чувствовал ее красоту в самых обычных, мелких, повседневных явлениях.
К произведениям японского декоративно-прикладного искусства традиционно относят лаковые, фарфоровые и керамические изделия, резьбу по дереву, кости и металлу, художественно украшенные ткани и одежду, произведения оружейного искусства и т. д.
Специфика произведений прикладного искусства состоит в следующем: они имеют сугубо практическое, утилитарное применение, но при этом играют еще и чисто эстетическую роль, служа украшением повседневной жизни человека. Эстетика окружающих предметов для японцев была важна не менее, чем их практическое назначение.
Лаки. С глубокой древности известны в Японии лаковые изделия, их остатки находят в археологических памятниках эпохи Дзёмон. В условиях жаркого и влажного климата лаковые покрытия защищали деревянные, кожаные и даже металлические изделия от разрушения. Лаковые изделия в Японии нашли самое широкое применение: посуда, домашняя утварь, оружие, доспехи.
Традиционные японские лаки — красный и черный, а также золотистый; к концу периода Эдо началось производство желтого, зеленого, коричневого лака. К началу XX в. был получен лак белого, голубого и фиолетового цветов. Существует много декоративных техник, связанных с использованием лака: маки-э — использование золотой и серебряной пудры; уруси-э — лаковая живопись; хёмон — сочетание лаковой живописи с золотой, серебряной и перламутровой инкрустацией.
Примерно до середины XVII в. главным центром развития лакового искусства оставался Киото. Там начал свою карьеру Огато Корин. Его лаковые изделия были отмечены особым единством форм и декора, плавно «перетекавшего» с одной грани изделия на другую. Сочетание различных материалов создавало необычную фактуру поверхности и редкую цветовую гамму.
Керамика. Особое пристрастие испытывают японцы к керамическим изделиям. Наиболее ранние из них известны по археологическим раскопкам и относятся к периоду Дзёмон (каменный век). На развитие японской керамики и, позже, фарфора значительное влияние оказали китайские и корейские технологии, в частности, обжига и цветного глазурного покрытия.
Отличительная черта японской керамики — внимание не только к форме, декоративному орнаменту и цвету изделия, но и к тем тактильным ощущениям, которые оно вызывало при соприкосновении с ладонью человека. Японский подход к керамике предполагал неровность формы, шероховатость поверхности, разбегающиеся трещинки, потеки глазури, отпечатки пальцев мастера и демонстрацию природной фактуры материала.
К художественным керамическим изделиям относятся прежде всего чаши для чайных церемоний, чайники, вазы, горшки, декоративные блюда, сосуды для сакэ. Первоначально форма сосуда делалась из веток и травы, затем она обмазывалась глиной, при обжиге ветки и трава сгорали, оставляя свои следы на стенках сосудов.
Сосуды среднего и позднего периода Дзёмон уже напоминают сосуды-скульптуры. В VI—XI вв. под воздействием гончаров Кореи японские мастера перешли к обжигу глиняных изделий с зеленовато-желтой глазурью. Примерно в это же время появляются изделия из настоящего фаянса — гигроскопической глины, покрываемой глазурью.
Фарфоровые изделия представляют собой, в основном, тонкостенные вазы с изысканным декором, чайные и винные сервизы и разнообразные статуэтки. В массе фарфоровой продукции, которая выпускалась в XVII—XVIII вв. по всей стране, различались два основных типа: дорогие, украшенные тонкой росписью изделия мастерских Кутани и Набэсимы и ны пускавшийся большими сериями фарфор Ариты и Сэто.
Изделия мастерских Кутани имели пластичную неровную форму. Их роспись выполнялась с использованием крупных цветовых пятен и свободно располагалась на поверхности сосудов. Изделия Набэсимы обычно украшались изображением одиночного растительного мотива, выполненного подглазур- ной росписью, иногда дополненного надглазурной полихромией росписью.
Мастерские Ариты и Сэто изготавливали массовую продукцию. Эта посуда украшалась нарядными декоративными композициями из цветов, бабочек, птиц. Значительная часть японского фарфора специально изготавливалась на экспорт в страны Запада.
Эмаль. Период с середины до конца XVII в. стал весьма плодотворным в истории развития искусства эмали в Японии. В это время японские мастера добились совершенства в колористике. Методом проб они подбирали оптимальную расплавку стекла, служившего основой для эмали, и различные вариации окислов, придававшие ей тот или иной оттенок, прозрачность или молочно-перламутровый отблеск, таинственное мерцание.
Все оправдавшие себя рецепты становились секретом, тщательно охраняемым в семье мастера. В Японии эмали назывались «сиппо», что значит «семь драгоценных камней». Значило это, что в украшениях эмаль способна заменить собой золото, серебро, изумруд, коралл, агат, хрусталь, жемчуг. Наиболее древний образец эмали, обнаруженный в Японии, относится к концу VII в.
Широко известные две техники эмали — выемчатая и перегородчатая — они распространились в Японии практически одновременно. Перегородчатую эмаль мастера использовали в украшении гард (цуба) самурайских мечей, декоративных луков и стрел, при отделке домов, сундуков, ящичков для хранения кистей и туши для каллиграфии, чайного порошка и благовоний. Мастерские первых ремесленников, работавших по эмали, располагались в Киото, поближе к дворцам императоров и вельмож, которые были основными покупателей этой продукции.
Возрождение техники эмали связывают с творчеством мастера Цунэкити Кадзи (1803—1883), жившего на окраине Нагой. Он изучил иностранные поделки, в основном, европейские, попадавшие в Японию, и на основе этого разработал новые технологии работы с перегородчатой эмалью. Успех Кадзи вдохновил других ремесленников.
Начались поиски новых методов работы. Так в то время появилась технология «контрэмали», методика гин-бари, состоявшая в том, что на покрытую тонким слоем эмали медную поверхность наклеивалась серебряная фольга. Технология мусэн-дзиппо, разработанная мастером Сосукэ Намикава (1847—1910), предусматривала удаление разделительных проволочек после просушки первого слоя эмалевого покрытия и новую заливку прозрачной эмалью.
Вариаций в технике было несколько десятков — мориагэ, утидаси, акасукэ, кодай моё, нагарэ-гусури и другие, что позволило при их сочетании добиваться превосходных результатов. Япония — первая в мире страна, где эмаль стала наноситься не только на металлические заготовки, но и на керамику, фарфор. Известность в технике эмали по керамике получил мастер Ясуюки Намикава (1845—1927), работавший в Киото.
Типичным узором, позаимствованным из Китая, для японских изделий из эмали стали изображения цветов (хризантем, пионов, соцветия павловнии, сливы, вишни) и несколько японизированные изображения драконов, львов и других мифических зверей, птиц, бабочек. Зачастую в изображения вкладывалась символика благопожеланий. Оттенки палитры варьировались в зависимости от назначения изделия. Так экспортные товары исполнялись в ярких, даже кричащих тонах, которые предпочитали европейские заказчики, а предназначенные для внутреннего употребления — в спокойной гамме, более соответствующей эстетическому мироощущению японцев.
Искусство и культура Китая и Японии чрезвычайно самобытны, что всегда интересовало и привлекало европейцев. Начиная еще с XVII столетия в художественно-стилистические направления Западной Европы проникали как китайские, так и японские мотивы. И по сей день культура этих двух стран интересна и для изучения, и для заимствования.
